Installation photograph, Sara Serratos: Paisana, January 16 – April 25, 2026, photo by Zachary Norman for UMOCA.

Paisana, de Sara Serratos No busco la entrada ni la salida; busco el todo: el polvo del pasado y las escamas del presente. Paisana es una exposición sobre el reconocimiento, la distorsión en la traducción y la política de la pertenencia. Creada por Sara Serratos durante su residencia 2024-2025 en UMOCA, esta exposición examina cómo los sistemas gubernamentales, sociales y laborales regulan, clasifican y extraen a los cuerpos migrantes. Para las comunidades mexicanas en Estados Unidos, la palabra paisana evoca género, cercanía y confianza. Nombrar a alguien «una de las nuestras» implica comprender sus acciones a través de una experiencia compartida. Para quienes están fuera de este contexto, su significado se vislumbra, pero nunca se entiende del todo. La obra de Serratos habita este espacio entre lo familiar y lo ajeno, cuestionando quién es legible, para quién y a qué costo. Paisana aborda a la migración como desplazamiento entre mundos que no han sido creados por quienes los habitan. Serratos concibe la supervivencia como una negociación constante, moldeada por la fragilidad de la pertenencia y una añoranza persistente. Su obra nos interpela: cuando sobrevivir entre fronteras y culturas nos vuelve vulnerables ¿por qué las personas migrantes son vistas como traidoras en las comunidades que dejaron y, al mismo tiempo, tratadas como forasteros en su nuevo hogar? A lo largo de Paisana, Serratos traza la tensión entre lo que se reconoce y lo que permanece oculto. Su obra revela cómo se produce y gestiona la visibilidad, al mismo tiempo que rechaza deliberadamente una traducción completa. Como la palabra que titula esta exposición, Serratos ofrece reconocimiento a quienes comprenden y pide a quienes no que acepten un entendimiento parcial.

Paisana by Sara Serratos I am not searching for an entrance or an exit; I am searching for the whole—the dust of the past and the scales of the present. Paisana is an exhibition about recognition, mistranslation, and the politics of belonging. Created during her 2024–2025 residency at UMOCA, this multimedia exhibition by Sara Serratos examines how governmental, social, and labor systems regulate, classify, and extract from migrant bodies. For Mexican communities in the United States, paisana – the Spanish feminine form of paisano – signals gender, intimacy, and trust. It names someone who is “one of us,” whose actions are understood through shared experience. For those outside this cultural context, its meaning is glimpsed but never fully grasped. Serratos’ work inhabits this space between familiarity and foreignness, asking who is legible, to whom, and at what cost. Paisana approaches migration as a condition of moving between worlds not of one’s own making. Serratos reflects on survival as an ongoing negotiation shaped by the fragile forms of belonging and persistent longing. Her work asks us: when survival requires navigating vulnerability across borders and cultures, why are immigrants so often framed as betrayers of the communities they left, yet treated as outsiders in their new home? Across Paisana, Serratos traces the tension between what is acknowledged and what remains concealed. She reveals how visibility is produced and managed while deliberately refusing a full translation. Like the word that titles this exhibition, her work offers recognition to those who know, while asking others to sit with partial understanding.

Texto de sala y cédulas de obra por Renato Olmedo-González. | Exhibition statement and object labels text by Renato Olmedo-González.

Working Class Person: Job Vocabulary & Sobre soñar (Persona de clase obrera: Vocabulario laboral & About Dreaming), 2025. Óleo sobre lienzo, 24 × 20 × 1.5 y 22 × 28 × 1 pulgadas, respectivamente. | Oil Painting on Canvas, 24 x 20 x 1.5 inches and 22 x 28 x 1 inches respectively.

Persona de clase obrera se concibe como un pendant–un par o conjunto–y forma parte de la serie American Dream Wall de la artista, que explora la tensión entre los mundos públicos y privados de las personas migrantes. Vocabulario laboral toma palabras y expresiones de los sistemas laborales de Estados Unidos, terminología despojada de sentimiento y reducida a función. En contraste, Sobre soñar está realizada completamente en español y se centra en el sueño, el deseo y la vida interior. En conjunto, Persona de clase obrera muestra cómo el lenguaje institucional disciplina los cuerpos, mientras que el lenguaje personal se convierte en un espacio de negociación, imaginación y esperanza.

These two artworks are conceived as a pendant–a paired set–and form part of the artist’s ongoing American Dream Wall series, which explore the tension between an immigrant’s public and private worlds. Job Vocabulary draws words and phrases from U.S. labor systems – terminology stripped of sentiment and reduced to function. Juxtaposed with it, Sobre soñar is rendered entirely in Spanish and centers on dreaming, desire, and interior life. Together, Working Class Person reveals how institutional speech disciplines bodies, while personal language becomes a space for negotiation, imagination, and hope.

Acceso y control (Access and Control), 2025-26. Reja metálica usada intervenida con marcos impresos en 3D en PLA y documentos personales originales, 71 x 94 x 1.25 pulgadas. | Used metal fence, intervened with PLA 3D-printed frames and original personal documents, 71 x 94 x 1.25 inches.

Una cerca que divide la galería contiene los documentos oficiales de la artista de México y Estados Unidos. La información personal está redactada, dejando visibles solo fragmentos de texto y código binario (unos y ceros). Las marcas restantes muestran cómo los sistemas burocráticos del Estado-nación reducen la identidad a datos, clasificando y regulando los cuerpos migrantes a través de códigos que otorgan acceso o imponen negación. Reflejando el enfoque de bricolaje y punk de Serratos y su sensibilidad rasquache, esta instalación actúa como un gesto de liberación, mostrando las fronteras como lugares construidos, provisionales y disputados que generan separación y exclusión.

A wall dividing the gallery contains the artist’s official documents from Mexico and the United States. Personal information is redacted, leaving only fragments of text and binary code (1s and 0s) visible. The remaining marks reveal how bureaucratic systems of the nation-state reduce identity to data, classifying and regulating migrant bodies through codes that grant access or enforce denial. Reflecting Serratos’ DIY, punk-informed approach and rasquache sensibility, this installation acts as a gesture of liberation, presenting borders as built, provisional, and contested sites that produce separation and exclusion.

Paisana, 2026. Textil teñido con semillas de aguacate e intervenido con cabello de la artista y texto pintado con pigmentos minerales, 54 x 78 x 1.25 pulgadas. | Textile dyed with avocado seeds and intervened with the artist's hair and text painted using mineral pigments, 54 x 78 x 1.25 inches.

Esta obra textil a gran escala muestra destacadamente la palabra «paisana» en el centro. La artista incorpora materiales orgánicos, incluido su propio cabello, y utiliza semillas de aguacate recolectadas a lo largo de un año, junto con pigmentos minerales provenientes del sureste de Utah, para teñir las fibras. A través de este proceso ritualizado, Paisana se convierte tanto en una ofrenda como en una reflexión sobre la artesanía, el cuidado y la resistencia. La obra pone de relieve la materialidad, el género y la identidad cultural, mientras que el texto legible evoca la pertenencia, el lugar y la experiencia migratoria.

This large-scale fiber work prominently displays the word “paisana” at its center. The artist incorporates organic materials, including her own hair, with fibers dyed using avocado seeds collected over the course of a year, alongside dried hibiscus and mineral pigments sourced from southeastern Utah. Through this ritualized process, Paisana becomes both an offering and a reflection on craft, care, and endurance. The work foregrounds materiality, gender, and cultural identity, while the legible text evokes belonging, place, and the migrant experience.

Fachadas de restaurantes mexicanos en Salt Lake (Salt Lake Mexican Restaurant Façades), 2025-26. Impresión inkjet de archivo sobre papel fotográfico, 8.5 × 11 pulgadas (cada impresión). | Archival inkjet print on photo paper, 8.5 × 11 inches (each print).

Estas fotografías muestran fachadas de restaurantes mexicanos en el Valle de Salt Lake: lugares familiares donde muchas paisanas trabajan y donde el público no mexicano suele encontrarse con la cultura mexicana. Estos espacios funcionan como portales públicos, ofreciendo familiaridad mientras ocultan vidas privadas marcadas por largas jornadas, vulnerabilidad económica y escasas protecciones. A través de estas fachadas, Serratos examina cómo la cultura se vuelve consumible, incluso cuando los cuerpos que la sostienen permanecen en gran medida invisibles.

These photographs depict façades of Mexican restaurants across Salt Lake Valley: familiar sites where many paisanas labor and where non-Mexican audiences most often encounter Mexican culture. These spaces function as public-facing portals, offering familiarity while concealing private lives shaped by long hours, economic vulnerability, and limited protections. Through these façades, Serratos examines how culture becomes consumable, even as the bodies that sustain it remain largely unseen.

Carta al migrante (Letter to a Migrant), 2026. Lámina de acero intervenida con texto, 31.9 × 24 pulgadas. | Steel sheet intervened with text, 32 × 24 inches.

Cada letra está grabada directamente en acero, creando una superficie rugosa y táctil. Escrito íntegramente en español, el texto da cabida al dolor y la nostalgia, mientras que el proceso físicamente exigente de la inscripción se convierte en una metáfora del trabajo y la resistencia. Carta al migrante encarna la dualidad del cuidado y la lucha, transformando la escritura en una labor de amor y en un testimonio del coraje y la resiliencia de las personas migrantes.

Each letter is etched directly into steel, creating a raw, tactile surface. Written entirely in Spanish, the text holds space for pain and nostalgia, while the physically demanding process of inscription becomes a metaphor for labor and endurance. Carta al migrante embodies the duality of care and struggle, transforming writing into both a labor of love and a testament to immigrant courage and resilience.

   

Declaración de Artista		Artist Statement
La tierra que piso, el sol que me calienta, la lluvia escasa, el viento que roza mi piel; mi cabello que dejo caer poco a poco, las lágrimas que derramo en la soledad, mis manos tocando aquello que parece no tener materialidad. No busco la entrada ni la salida; busco el todo: el polvo del pasado y las escamas del presente. El futuro no me interesa. No quiero preocuparme por lo que vendrá sin antes saborear el aquí y el ahora, lejos de mi tierra, con la perspectiva de la añoranza y el cariño hacia mis entrañas. Dolor, paciencia, sentirse incomprendida, sentirse en tierra. Mi trabajo actual reúne múltiples proyectos y obras interdisciplinarias, incluyendo textil, pintura al óleo, fotografía digital, instalación, material de archivo e intervención en metal. Utilizo materiales físicos que me permiten crear perspectivas visuales duales. Mi motivación para este cuerpo de trabajo surge de un clima político marcado por una crisis migratoria global donde la pertenencia a un lugar se vuelve especialmente frágil dentro los parametros de los Estado-nación , una estructura organizativa que ha fallado repetidamente en establecer un equilibrio entre el Sur Global y el Norte Global bajo marcos eurocéntricos. Desde mi experiencia como inmigrante y mujer racializada, este trabajo aborda la migración desde una perspectiva íntima y personal. A través de una mirada espiritual, presento ofrendas de mi vida personal. (Texto completo disponible a solicitud)		The land I walk on, the sun that warms me, the scarce rain, the wind that brushes against my skin; my hair falling little by little, the tears I shed in solitude, my hands touching what seems to have no materiality. I am not searching for an entrance or an exit; I am searching for the whole—the dust of the past and the scales of the present. I am not interested in the future. I refuse to worry about what is to come without first savoring the here and now, far from my homeland, with longing as perspective and tenderness toward my innermost self. Pain, patience, feeling misunderstood, feeling grounded. My current body of work brings together multiple interdisciplinary projects and works, including textile, oil painting, digital photography, installation, archival material, and metal intervention. I use physical materials that help me to create dual visual perspectives. My motivation for this body of work emerges from a political climate marked by a global migration crisis where belonging to a place becomes especially fragile within the parameters of nation-states , an organizational structure that has repeatedly failed to establish balance between the Global South and the Global North through Eurocentric frameworks. From my experience as an immigrant and a racialized woman, this work approaches migration from an intimate and personal perspective. Through a spiritual lens, I present offerings from my personal life. (Full text available upon request)